Herbert Jansh, nacido en Glasgow el 03/09/1943, mejor conocido comoBert Jansch, es un músico escocés de folk y miembro fundador de la bandaPentangle. Reconocido como un innovador guitarrista acústico, pero también por su faceta de cantante y compositor.
Ha grabado más de 25 albums, y su trabajo ha influenciado a gran cantidad de músicos.
Empezó a tocar su personal mezcla de folk, blues y jazz en clubs de folk, trasladándose de Escocia a Londres.
Este disco de debut fue interpretado en público en abril de 1965, el día de la inauguración del club Les Cousins, en el Soho londinense. Tocaba con guitarras prestadas y grabado con un equipo portátil. Esta grabación fue vendida sin derechos de autor por 100 libras.
Gracias a su innovadora técnica de guitarra y su sólido material, el álbum causo sensación y ha seguido resultando influyente desde entonces. Muchas de las canciones fueron versionadas entre otros por Donovan, Jimmy Page, Neil Young y Simon y Garfunkel, quienes han reconocido la influencia de este álbum en su carrera.
Este álbum fue grabado en sólo cuatro semanas para aprovechar el mercado navideño, pero a pesar de eso resultó un gran disco y alcanzó el éxito tanto de ventas como de críticas.
En este disco se ve un gran paso adelante en el desarrollo artístico de los Beatles, ya que dejaron atrás su sonido original. Todas las canciones del álbum fueron escritas por miembros del grupo y se usaron nuevos instrumentos, como el sitar en "Norwegian” . También se puede apreciar en él la influencia de otros artistas contemporáneos como Bob Dylan. Otra anécdota antes nunca vista es la ausencia del nombre del grupo en la psicodelica portada del disco.
El equipo compositor que formaban John Lennon y Paul McCartney comenzó a explorar otros temas aparte del amor romántico. En particular, las relaciones entre los sexos pasaron de simples canciones de amor chico-chica a descripciones más datalladas e incluso negativas. "Norwegian Wood" representa un encuentro ambiguo entre el cantante y una chica. La chica de "You Won't See Me" es descrita como inmadura y obstinadamente se niega a escuchar al cantante. En "I'm Looking Through You", la chica no trata bien al cantante. "Girl" describe a alguien que "habla mal de ti delante de los amigos", y "Run For Your Life" presenta una vaga amenaza de muerte.
No podía ser fácil aprender a tocar la guitarra eléctrica criandote en un pueblo sin electricidad, pero en el momento en que BB King llego a Chicago desde Indianola, Mississippi, para tocar en el Regal Theater en noviembre de 1964, habían pasado treinta y nueve años de su vida intentándolo. Viendo como tomaba el escenario esa noche, con una guitarra Gibson llamada Lucille colgada en su espalda, pudo decir que había conseguido su objetivo.
King guió a la sala como un predicador, extrayendo gemidos y sollozos de la congregación, seduciendo a cada uno de ellos con un intercambio a tres bandas, con él y Lucille. Las emotivas estocadas y caricias de King en el cuello de Lucille se convertirían en pilares fundamentales del blues en directo y ayudarían a coronar a BB King como el más grande guitarrista de la historia del genero.
"La música no debería ser fácil de comprender" afirmaba John Coltrane. Se trata de un disco de Jazz que invoca escalas hindúes y árabes. Según el libro, es un viaje espiritual hacia el despertar, la dedicación, la comprensión y el alumbramiento.
John Coltrane, nacido en 1926 y falleció en 1967, fue un saxofonista de jazz controvertido y de los más relevantes e influyentes en la historia de jazz. Su trayectoria musical marcada por una constante creatividad siempre dentro de la vanguardia abarca los principales estilos de jazz. Grabó alrededor de cincuenta discos. Su música esta vinculada al contexto sociohistorico de la lucha por los derechos civiles de los negros Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete, de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen los treinta minutos.
Este grupo estadounidense, formado en 1.961, representa el estilo de vida californiano de los jóvenes de los años 60.
Este fue su noveno disco, pero en 1964, solo en ese año habían grabado cuatro albumes, por lo que el disco fue grabado en plena crisis de su líder Brian Wilson, por el agobio de trabajo en giras y discos, así como el estrecho marcaje que les hacían los Beatles en las listas de éxitos. A pesar de esto, para muchos, Today! es un disco más maduro que otros, con una cara A en el tono festivo habitual y en la cara B, lo que vuelve locas a sus fans, cinco baladas con pasión, sensualidad y amores vulnerables como nunca antes se había visto en el pop de la época. Para ejemplo, la canción de abajo.
A pesar de haber grabado excelentes discos Redding se mantuvo como una figura de culto para unos pocos hasta 1965. Fue con el lanzamiento de este disco, lo que hizo que alcanzara notoriedad en los Estados Unidos.
Así fue, Otis Redding, hijo de un pastor, llevaba el gospel en la sangre si bien abraza el soul, el R&B y el pop. Fue el artista negro que más atrajo a los hippies y rockeros de los 60, el que realmente traspasó los límites “raciales” y se integró en los movimientos musicales predominantes en la industria, sin perder las raíces y el carácter genuino del soul sureño. La cumbre llegó en 1966, con el lanzamiento de este genial álbum “Otis Blue”, su tercer LP.
El álbum fue grabado en 24 horas, el 7 de julio de 1965: comenzaron a las diez de la mañana hasta las ocho de la noche (hora en que los músicos corrían rápidamente para cumplir sus compromisos en directo), para volver a empezar a las dos de la mañana y finalizar a las diez de la mañana del día siguiente. Ello da una idea de la manera frenética de trabajar y del grado de compenetración y cohesión de los músicos en el estudio.
El álbum contiene composiciones propias destacando el éxito “I’ve been loving you too long” y “Respect”, y composiciones de los Rolling Stones (una versión exultante del “Satisfaction”) del gran Solomon Burke (“Down in the Valley”) y de uno de los ídolos de Otis, Sam Cooke (la emblemática “A Change is gonna Come”). También hay canciones atemporales como “Wonderful World”, una versión explosiva de BB King y el “My Girl” de los Temptations. Una mezcla atípica y muy personal, sorprendente para un artista del soul más profundo y áspero.
Aparte de una gira extenuante y exultante por Europa, Otis actuó en el primer festival multitudinario de rock, el de Monterrey. Los hippies, pese a sus conciencias "abiertas" tan recelosos de lo negro, tan olvidadizos de la génesis, supieron de la llama del soul cuando Otis apareció en Monterey. Como recuerda Booker T.: “Nosotros jamás habíamos sido aceptados por el público blanco de los Estados Unidos. Monterrey podía haber sido en Alemania o quizás en Holanda, pero era en California. Era el primer anuncio de un cambio cultural y musical en Estados Unidos. Había nuevas sensaciones. La policía no estaba allí. Los Angeles del Infierno nos escoltaron hasta el concierto ¡ellos nos protegían! Podíamos entrar en un restaurante y tener un bocadillo gratis. Los hoteles estaban abiertos para todo el mundo. Era una sensación completamente diferente. La Historia estaba cambiando en ese momento y nosotros lo sabíamos. Creo que nos afectó nuestra manera de tocar aquella noche”.
Menos de tres años después de este descorazonador disco, el avión del dulce Otis se estrelló en el lago Monona, Wisconsin, en diciembre de 1.967.
Bringing It All Back Home es el quinto álbum de estudio de Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965. El álbum se divide en dos caras, una de ellas eléctrica y la segunda, acústica. En la cara A del original álbum de vinilo, Dylan se hace acompañar de una banda de rock'n'roll, movimiento que sería mal visto por algunos compañeros de la comunidad folk. En la cara B del álbum, se distancia de las canciones protesta con las que había sido identificado desde un principio, encontrando una nueva tendencia en letras más abstractas y personales. Bringing It All Back Home es a menudo citado como el nacimiento del folk-rock.
La publicación de Bringing It All Back Home coincidiría con el último recital de su gira con Joan Baez. Por entonces, Dylan gozaba de una popularidad mayor que la de Baez, y sería la última vez que tocarían juntos durante largo tiempo.
La icónica portada del álbum, incluye a Sally Grossman, esposa del mánager de Dylan, Albert Grossman, fumando al fondo, mientras entre ella y Dylan se disponen varios enseres que tendrián ocupados a muchos dylanolianos: el gato azul, el traje rojo, los discos que se pueden distinguir, los objetos.
La canción que se reproduce más abajo, Mr. Tambourine Man, fue número 1 en las listas de éxitos en la versión cantada por The Byrds, grabada antes de la salida de la primera versión grabada por Dylan.
Su sobrecogedora letra habla de un hombre que vaga sin sueño por las calles y le pide al Sr. de la Pandereta, que le toque una canción. Mejor es leer entera su letra en este enlace: http://www.goddylan.com/Letra_MrTambourineMan.htm
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